OS OLHOS SEM ROSTO (1960). Dir.: Georges Franju.

 

NOTA: 10

Quem disse que filmes de terror não podem ser bonitos, certamente nunca ouviu falar do Maestro Mario Bava. Conforme já comentei aqui antes, seus filmes são carregados de uma beleza exuberante, que somente ele sabia fazer.

 

Mas hoje não estou aqui para falar sobre o Maestro, e sim, sobre OS OLHOS SEM ROSTO, lançado em 1960, dirigido por Georges Franju.

 

O que posso dizer sobre esse filme? Bem, vou direto aqui. Não é um filme bonito; é um filme lindo! E tudo contribui para isso: a direção, o roteiro, e principalmente, a fotografia em preto e branco.

 

Os Olhos é um dos meus filmes de terror favoritos, e uma grande inspiração, mas vou deixar isso mais para frente.

 

Na minha opinião, o que torna esse filme tão único, é o simples fato de ser filme de terror pé no chão, sem apelar para monstros ou fantasmas; além disso, é o exemplo clássico da história onde o monstro não é quem aparenta.

 

E também, não deixa de ser um conto de fadas de horror, com a princesa presa na torre do castelo; no caso, a filha do professor.

 

Acredito que o primeiro ponto a ser discutido aqui é a fotografia em preto e branco. Ao contrário de muitos filmes produzidos no mesmo estilo, aqui temos somente os tons de preto e branco, sem apelar para o cinza, e as duas cores pulsam na tela. Eu sinceramente não consigo imaginar esse filme sendo colorido, porque é o caso em que o preto e branco combina muito bem com o longa e o deixa ainda mais bonito.

 

A direção e o roteiro também são pontos positivos, e não apelam para sustos falsos; na verdade, são responsáveis por cenas bem tensas, com destaque para a cena da cirurgia, que até hoje, consegue ser uma das mais chocantes do cinema, mesmo sendo em preto e branco. Outra cena bem tensa, é a cena do cemitério, quando o professor abre o tumulo onde sua filha estaria enterrada e joga um corpo lá dentro.

 

Além da fotografia, direção e roteiro, temos também o elenco. Todos os atores estão excelentes nos papeis, mesmo aqueles que não aparecem por muito tempo; inclusive, pode-se dizer que temos também alguns momentos de alivio cômico, mas sem apelar para personagens idiotas.

 

No entanto, quem está excelente no filme são três atores principais. Pierre Brausseur entrega uma atuação aterrorizante e fria, interpretando o professor. O personagem é um homem amargurado, que está disposto a tudo para trazer a beleza da filha de volta, e não mede esforços para isso; Alida Valli, grande nome do cinema de horror europeu, também não decepciona, interpretando a secretaria e assistente do professor, uma mulher que também está disposta a tudo para ajuda-lo, apesar de ter seus momentos de dúvida quanto a alguns dos métodos do homem.

 

Mas claro, quem realmente rouba a cena é a atriz Édith Scob, no papel de Christiane, a filha do professor. Ela é o coração e a alma do filme e enche a tela de encanto desde de sua primeira aparição. Ela é a típica personagem que passa o filme inteiro sofrendo por causa de sua condição, porque não foi culpa dela, e conforme mencionei acima, não é o monstro da história. Além disso, conforme também mencionei, o filme é um conto de fadas, então, ela é a princesa que vive presa no castelo, a espera de alguém que possa salvá-la.

 

A personagem é praticamente um anjo dentro do filme, com seu vestido branco, e ar inocente. Sua melhor cena, sem duvida, é a cena dos cachorros, onde interage com eles, abraçando-os e acariciando-os em suas gaiolas. E a melhor peça do figurino é a máscara branca, que ela usa durante todo o filme; completamente inexpressiva e melancólica, a máscara consegue causar calafrios no espectador sem fazer esforço. E o diretor também é muito inteligente, escondendo o rosto da personagem com o uso de ângulos específicos de câmera; na verdade, há apenas uma cena em que o verdadeiro rosto da personagem aparece, e por poucos segundos. O mesmo é dito do rosto verdadeiro da atriz Édith Scob, que aparece apenas uma vez, por poucos minutos.

 

Além de Christiane, outra personagem que também merece destaque é a jovem que tem seu rosto removido e passa a usar gaze e ataduras para cobrir as cicatrizes. Mesmo com pouca presença, é um dos muitos pontos altos do filme e um dos mais sinistros também.

 

Conforme também mencionei acima, Os Olhos é um dos meus filmes de terror favoritos e uma inspiração para mim. Isso porque estou escrevendo um livro sobre uma jovem com uma condição especifica, e a personagem Christiane me serviu de inspiração para compô-la.

 

Quando foi lançado nos cinemas, foi um fracasso de critica e de bilheteria, mas hoje em dia, é reconhecido como um dos maiores filmes de terror de todos os tempos.

 

Foi lançado em DVD no Brasil pela Versátil Home Vídeo na coleção Obras-Primas do Terror – Vol.9, em inédita versão restaurada.

 

Enfim, Os Olhos Sem Rosto é um filme lindo.  Um filme de terror com aspecto de conto de fadas. Uma historia delicada, mas assustadora, capaz de provocar calafrios sem fazer esforço para isso. Um exemplo clássico da historia onde o monstro não é quem pensamos ser. Além disso, faz uma discussão sobre a beleza, tanto externa quanto interna. Um filme que, apesar de contemporâneo, possui um aspecto gótico. Um filme melancólico, que dá vontade de chorar. Uma bela fotografia em preto e branco enche a tela e contribui para deixa-lo mais bonito. Atuações magnificas, em especial da atriz Edith Scob, que entrega uma performance delicada, e cria uma personagem inesquecível.  Um filme maravilhoso. Um conto de fadas de terror. Um dos maiores filmes de terror de todos os tempos. Um dos Filmes Mais Assustadores de Todos os Tempos. Perturbador. Comovente. Delicado. Assustador. Excelente.

Créditos: Versátil Home Vídeo

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NA SOLIDÃO DA NOITE (1945). Dir.: Vários.

 

NOTA: 9.5

Desde sua fundação, em 1962, a Amicus tornou-se um dos maiores estúdios de cinema britânicos de todos os tempos, rivalizando com a Hammer Films. Porém, ao contrário da Hammer, o estúdio tornou-se especialista em produzir antologias de horror, apesar de lançar outros filmes, a maioria voltados para o horror. Ao total, foram sete antologias, todas maravilhosas.

 

Mas hoje, não estou aqui para falar das antologias da Amicus, e sim, de NA SOLIDÃO DA NOITE, precursor do gênero de antologia, lançado em 1945.

 

O que posso dizer sobre esse filme? Bem, digo o seguinte: é um dos melhores filmes de terror de todos os tempos, e um dos melhores que já vi; além de ser um daqueles casos de filmes que ficam melhores a cada revista.

 

Conforme mencionado acima, o filme é o precursor do gênero de antologia, neste caso, contando com cinco histórias de horror. Na verdade, antes de entrar nas histórias propriamente ditas, o filme até começa de maneira simples, com o protagonista indo até uma casa de fazenda no interior da Inglaterra. Quando ele chega lá, começa a falar com os outros personagens a respeito de seus sonhos e pesadelos, o que intriga a todos ali. Em seguida, eles mesmos começam a contar suas próprias histórias.

 

The Hearse Driver: Um corredor de carro sofre um acidente, e vai parar no hospital, onde é atendido por uma bela enfermeira. Durante a estadia, ele tem uma estranha visão de um carro funerário estacionado abaixo de sua janela. Ao sair do hospital, ele vê o motorista do carro funerário em um ônibus e decide não embarcar. O ônibus então sofre um acidente e todos os passageiros morrem.

 

The Christmas Party: Uma adolescente está comemorando o Natal na casa de um amigo e participa de um jogo de esconde-esconde com os convidados. Durante a brincadeira, ela encontra um quarto de criança e conhece um garotinho que tem medo da irmã. Ao reencontrar os outros convidados, ela descobre que o garotinho está morto desde o século XIX.

 

The Haunted Mirror: Uma mulher compra um espelho para seu noivo. No inicio, tudo parece bem, mas, aos poucos, o homem é atormentado por estranhas visões relacionadas ao espelho. A mulher descobre que o objeto pertenceu a um homem que matou a esposa no século XIX, e precisa correr para impedir que o noivo perca a razão.

 

The Golfer’s Story: Dois campeões de golfe conhecem e se apaixonam por uma mulher e resolvem disputa-la com uma partida. Um deles ganha a partida e o outro se suicida em um lago. Às vésperas de seu casamento, o vencedor é atormentado pelo fantasma de seu amigo, que afirma que ele trapaceou no jogo e exige que o amigo assuma o erro.

The Ventriloquist’s Dummy: Um ventríloquo americano conhece outro em Paris e se surpreende com seu ato, cuja principal atração é seu boneco Hugo. Ao reencontrá-lo em Londres, o americano descobre que o ventríloquo possui sérios problemas psicológicos, e na mesma noite, é atacado por ele, que não pretende entregar seu boneco ao rival.

 

Uma antologia básica, não? Sim, no entanto, ao contrário das que vieram depois, principalmente nos anos 70, aqui, as histórias foram dirigidas por cinco pessoas diferentes, e cada uma imprimiu seu próprio estilo. Entre os diretores, temos o brasileiro Alberto Cavalcanti, que dirigiu a segunda e última historias – a do boneco, a melhor delas.

 

Além da presença do brasileiro Cavalcanti, é possível perceber aqui a principal característica das antologias: a diversidade entre as histórias. A primeira remete primeiramente a um romance, mas logo se transforma em um terror, com a presença do carro funerário; a segunda é uma história de fantasma com toques infantis, principalmente pela presença do garotinho; a terceira foca mais um suspense sobrenatural, além de apresentar elementos de horror psicológico; a quarta também é uma história de fantasma, mas com uma veia cômica; e a última, é um suspense psicológico, onde a loucura é o principal elemento.

 

Além das histórias narradas pelos personagens, temos também os interlúdios, com o protagonista interagindo com eles, que culmina na melhor parte do filme, quando o pesadelo dele se torna realidade, e ele interage com todas as histórias de uma maneira macabra e assustadora.

 

Com certeza, o episódio mais lembrado do filme é o último, The Ventriloquist’s Dummy. Sem dúvida, é o melhor episódio, com toques de suspense psicológico, com o ventríloquo atormentado por problemas mentais, que culminam numa personalidade alternativa, que ele usa em seu boneco Hugo. Falando nele, o boneco é um dos personagens mais assustadores do cinema – algo comum em bonecos de ventríloquo – e sua aparência e voz fina são dignas de pesadelos. Algo semelhante aconteceria em Magia Negra (1978), onde o ator Anthony Hopkins interpretou um ventríloquo domado por seu boneco.

 

Os demais personagens também são bem interessantes, cada um à sua maneira, principalmente o protagonista, que se mostra visivelmente atormentado por seus sonhos recorrentes; os demais apelam à sua psiquiatra para descobrir o motivo por trás dos sonhos dele e também por trás de suas próprias histórias, algo que não fica chato conforme os relatos acabam.

 

Na Solidão da Noite possui um legado importante entre os fãs de cinema, tendo como fã o diretor Martin Scorsese, que o elegeu um dos filmes mais assustadores de todos os tempos. O último episódio inspirou diversas histórias posteriores, entre elas, um segmento da série Além da Imaginação, além de outros filmes.

 

Foi lançado em DVD no Brasil pela Versátil Home Vídeo na coleção Obras-Primas do Terror.

 

Enfim, Na Solidão da Noite é um filme excelente. Uma história de horror composta por cinco segmentos aterrorizantes, que prendem a atenção do espectador. Cada um dos cineastas envolvidos deixa sua marca e as histórias ficam únicas por causa disso. Um dos filmes mais assustadores de todos os tempos, com um grande legado. 

Créditos: Versátil Home Vídeo

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O PÁSSARO SANGRENTO (1987). Dir.: Michele Soavi.

 

NOTA: 9.5

Michele Soavi foi o último dos grandes diretores do cinema de horror italiano, tendo sido responsável por um dos maiores filmes de zumbi de todos os tempos, o clássico Pelo Amor e Pela Morte (1994), o longa que encerrou de vez o ciclo do horror italiano no cinema.

 

Em 1987, Soavi estreou na direção com O PÁSSARO SANGRENTO, um Slasher metalinguístico, e um dos melhores do gênero. Assim como seus outros filmes, este aqui é carregado de imagens líricas e momentos de pura beleza.

 

O Pássaro é um verdadeiro espetáculo visual, com suas cenas carregadas de violência e momentos de tensão, combinados à direção de Soavi, que já mostrou altamente capacitado.

 

Conforme mencionado acima, O Pássaro é um Slasher, no sentido clássico da palavra, com tudo que tem direito, desde a figura do assassino mascarado, até as cenas de morte sangrentas, e aqui, temos muito sangue.

 

O importante é dizer que, na época do lançamento do filme, o gênero americano estava em queda, com produções de baixa qualidade e pouco inspiradas, além de continuações dos clássicos já estabelecidos – que não são ruins, vale lembrar. Em comparação com o que era produzido nos Estados Unidos, O Pássaro é excelente.

 

Também conforme mencionado acima, O Pássaro é um Slasher metalinguístico, porque fala justamente de uma peça de teatro dentro do filme, e logo na abertura, somos brindados com uma sequencia ambientada em um palco, mas não sabemos disso até que o diretor da peça aparece e encerra a apresentação; aí, descobrimos que se trata de um ensaio.

 

A partir daí, somos brindados com muitas cenas ambientadas dentro do teatro, com o elenco e a equipe se preparando para a estreia da peça, mas, conforme descobrimos, se torna impossível, não apenas pelo pouco tempo que eles têm, mas por causa da figura do assassino.

 

Antes de falar dele, vou falar dos personagens. A começar pelo diretor da peça, Peter. Ele é um grande cretino, que não ouve ninguém, e está disposto a realizar a peça a qualquer custo, e não pensa duas vezes antes de dispensar a protagonista. Alicia, a protagonista, tem bom coração e quer se provar uma boa atriz, mas também bate de frente quando precisa. Brett é um ator de temperamento forte, que não liga para a opinião dos outros e afronta os membros da equipe. Os demais são aqueles típicos personagens caricatos e exagerados, comuns nas produções italianas, mas não deixam de ser interessantes.

 

Já o assassino é o melhor personagem do filme, a começar pelo visual. Durante o filme inteiro, ele veste uma roupa preta e usa uma grande máscara de coruja; um visual belíssimo. E assim como seus colegas americanos, ele é implacável e não poupa ninguém, utilizando métodos criativos para matar os personagens.

 

Em relação às cenas de morte, temos aqui, algumas das mais sangrentas do gênero. Conforme mencionado acima, o assassino faz uso da criatividade para executar os crimes, com tudo que está à sua disposição, desde uma motosserra à um machado. Temos aqui decapitações, corpos cortados ao meio e pessoas perfuradas. A melhor cena é a da furadeira, que me surpreendeu na primeira vez que assisti ao filme. Após as cenas de morte, temos um verdadeiro espetáculo armado no palco pelo assassino.

 

A direção de Soavi aqui é correta e criativa, com belos truques de câmera e momentos de beleza, que se tornariam marca do cineasta nos filmes futuros.

 

Além das cenas de morte, temos também cenas muito tensas, principalmente quando a protagonista foge do assassino. A cena da chave é a mais tensa de todas, justamente porque não sabemos como vai acabar.

 

O Pássaro foi produzido por Joe D’Amato, um dos grandes nomes do cinema bagaceiro italiano, responsável por mais de 100 produções. O roteiro foi escrito por Luigi Montifiore, também conhecido por George Eastman, que esteve presente em O Antropófago, dirigido por D’Amato.

 

Foi lançado em DVD no Brasil pela Versátil Home Vídeo, na coleção Slashers, após anos fora de catalogo.

 

Enfim, O Pássaro Sangrento é um filme maravilhoso. Um Slasher italiano, com assassinatos criativos, cenas antológicas e momentos arrepiantes. Um filme que entra em conflito com os slashers produzidos nos Estados Unidos na época, e que consegue ser melhor do que eles. Um dos filmes mais assustadores de todos os tempos. Excelente.

Créditos: Versátil Home Vídeo

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