IT, A COISA (Stephen King).

NOTA: 10

IT, A COISA

IT, A COISA é um clássico absoluto de Stephen King, o Mestre do Terror.

Um livro perfeito, escrito de maneira brilhante, rico em detalhes, digno de apavorar qualquer um, sem fazer esforço, repleto de cenas memoráveis.

Escrito pelo autor durante os anos 80, o livro tornou-se um de seus maiores sucessos e continua assim até hoje. Mas o que o torna um livro tão perfeito?

A começar pela narrativa. Não há duvidas de que Stephen King é um mestre na arte de escrever, e até agora, não encontrei nenhum livro – ou conto – que me decepcionasse. E It é um deles. Durante a leitura, King mostrou que estava em sua melhor forma, ao contar uma historia tão detalhada e assustadora.

Como já devo ter mencionado, existem casos em que um livro pequeno, de poucas paginas, como A Metamorfose, por exemplo, contém muito mais historia do que um calhamaço de quase 2.000 páginas. Mas, existem exceções, e It é uma delas. Sinceramente, não consigo imaginar esse livro com menos de 600 paginas, porque não faria sentido nenhum. King precisou, sim, estender a narrativa até o total de 1.100 páginas, porque ele tinha muita, mas muita historia para contar.

Conforme ele mesmo revela em um dos extras do primeiro capítulo da nova adaptação, sua fonte de inspiração para criar a pequena cidade de Derry foi o próprio estado do Maine, seu lar. Ele contou que buscou inspiração nas historias que leu sobre a cidade de Bangor, os relatos de brigas de gangues, por exemplo, que acabaram entrando no livro. Ele também pesquisou sobre seu próprio passado, como quando ele e seu irmão brincavam no rio que havia na cidade, e como isso também influenciou na criação do Barrens, e claro, inventou suas próprias historias, juntou tudo e criou e cenário da historia.

E ele faz tudo com perfeição. Seu relato sobre Derry é fantástico, bem como suas descrições da cidade. Em inúmeros momentos, eu consegui visualizar aquela cidade, como seriam os prédios, as casas, as praças, a estatua do lenhador, o cinema, enfim, tudo. É o tipo de coisa que costumo fazer quando estou lendo um livro e me envolvo com a historia, independente do autor e do gênero, e aqui, não foi diferente. E quando acontece uma coisa assim, é porque eu adoro o que estou lendo. Inclusive, pessoalmente, eu acho muito mais fácil criar uma cidade, seja ela de que tamanho for, do que utilizar um cenário real. O autor tem mais liberdade para imaginar a estrutura do lugar, onde cada prédio ficaria, como seria a rotina dos habitantes, enfim, tudo, sem se ater a costumes antigos. Eu pessoalmente, gosto de imaginar assim; claro, não tenho nada contra usar um cenário real numa historia, cada um é cada um.

E claro, It é um livro de horror, e como tal, não faltam cenas de horror. Mas, qual a melhor delas? Olhe, difícil dizer. Na primeira leitura, já tive impressão; agora, com a releitura, a impressão continuou. Difícil escolher a melhor, porque são muitas. E com certeza, essas cenas de horror já se tornaram antológicas.

O Clube dos Otários é sem duvida, uma das melhores coisas do livro. É possível perceber, durante a leitura, que o livro é sobre eles. King descreve cada um deles maravilhosamente, expondo suas vidas, seus medos, tristezas, alegrias, dificuldades, enfim, tudo sobre eles. Difícil dizer qual é o melhor deles, porque são todos adoráveis. Cada um tem a sua característica, o seu modo de pensar, de agir, de ver o mundo, e principalmente, cada um tem o seu próprio mundo. Eles têm problemas, sim, como todos nós; passam por dificuldades tanto na juventude quanto na fase adulta; em algum ponto da vida, eles fracassaram em seus objetivos, enfim, são seres humanos completos. E de verdade, é impossível não vê-los juntos e não se apaixonar. De fato parece que a dinâmica entre eles é bem real, com cada um agindo do seu jeito, mas sempre pensando naquela temática do “Um por todos e todos por um”. Eles nunca estão sempre sozinhos, quase sempre estão juntos os sete; eles têm o seu ponto de encontro no Barrens, uma sede do clube embaixo da terra... O tipo de coisa que todos nós gostaríamos de ter em algum momento da vida, pelo menos eu. E claro, eles passam por perrengues, seja em casa, seja na escola. Ou seja, repetindo, são pessoas de verdade. Na leitura, é possível perceber uma certa troca de papéis. Se na infância, o grupo era liderado por Bill, na fase adulta, Mike, o único que ficou em Derry, assume esse posto de liderança, mesmo que temporária. Interessante essa troca.

Como os sete são os personagens principais, não é muito fácil distinguir quem, de fato, é o protagonista da historia, porque é daquele tipo onde todos os personagens conduzem, cada um do seu jeito. Não tem essa de “um tem mais espaço que o outro”; todos eles têm o seu momento, e brilham nesse momento, seja na juventude, seja na vida adulta.

Os outros personagens também são maravilhosos. Assim como os sete membros do Clube, cada um ali descrito tem sua própria vida, cheia de fracassos, alegrias, tristezas, enfim... Porém, é possível perceber que King dá mais espaço para o valentão da escola, o adolescente Henry Bowers, e seu grupo. King os descreve com a mesma paixão que descreve o Clube dos Otários, principalmente Henry. Ele, sem duvida, o típico adolescente que mete medo em todo mundo. O típico valentão da escola, que adora provocar os mais fracos e meter medo neles. No entanto, existe algo a mais. Henry é sádico. Sempre armado com seu canivete gigante, é evidente que ele não quer apenas machucar os Otários; ele odeia a todos. Os outros membros do grupo de Henry também são valentões, mas, nem todos são perversos; a única exceção é Patrick Hockstetter, que consegue ser tão sádico, ou até, pior do que Henry. Eu acho que ele é pior. King dedica um capitulo só para ele, e o que está escrito não é brincadeira. Patrick é terrível, cruel, sem escrúpulos ou remorso. Esse foi um dos capítulos mais arrepiantes do livro. E o destino dele também não fica atrás.

No entanto, na opinião de muitos, o que faz de It um livro assustador, não é o vilão, ou as cenas de horror. O que assusta de verdade, são os assuntos que King aborda. Falo de racismo, violência domestica, violência psicológica, abuso sexual, assedio, enfim, essas coisas que existem na nossa sociedade e nos assustam todos os dias. Infelizmente, é possível perceber que, mesmo tendo sido lançado há mais de 30 anos, o livro continua atual nesse aspecto, porque a nossa sociedade não mudou nada em relação a esses assuntos; pelo contrario, às vezes, nem sempre, são varridos para debaixo do tapete. Não é sempre que isso acontece, mas acaba acontecendo. Eu, pessoalmente, não gosto de noticias envolvendo esses assuntos, na verdade, nem gosto de discutir nem de saber sobre eles porque são muito tristes.

Outra coisa que King faz com maestria, é mostrar que, apesar da ameaça da Coisa, a cidade de Derry também é envolta em sangue. Muito sangue. Nos trechos batizados de “Interlúdios”, Mike conta em seu diário como foi a historia da cidade, na tentativa de descobrir o motivo pelo qual a Coisa retorna a cada 27 anos. E olha, que historia. Derry tem o sangue nas veias. Ao longo dos séculos, a cidade testemunhou o pior de seus habitantes, com direito a massacres em bares, crianças mortas em explosões, pais espancando filhos... Acho que um dos mais violentos episódios foi o incêndio no clube Black Spot, um clube para negros, ocorrido nos anos 30. Durante a leitura, eu consegui visualizar aquela noite horrível, onde muitos homens perderam a vida. King não faz cerimonia, e descreve a destruição nos mínimos detalhes. Sem duvida, um episodio trágico, mesmo sendo fictício. O mesmo vale para outros episódios trágicos descritos nos Interlúdios, mas, na minha opinião, o mais triste foi esse.

E como mencionado acima, seria impossível descartar esse lado negro da cidade, porque deixa a descrição mais rica, e também ajuda a entender por que a Coisa se sente atraída pela cidade e seus habitantes.

E o que dizer a respeito de Pennywise, o Palhaço Dançarino? Pennywise. É sem dúvida, o melhor personagem do livro. Com certeza, foi o responsável – ou um dos responsáveis – por causar coulrophobia em muitas pessoas. Coulrophobia é o termo dado para quem tem medo de palhaços. Não é difícil entender o motivo. Apesar da fama de serem engraçados, palhaços são, em primeiro lugar, assustadores. Quem consegue achar graça num ser humano com a cara branca, sorriso enorme e um enorme nariz vermelho, com sapatos gigantes? Eu não. Na verdade, eu não sofro de coulrophobia, mas não gosto de palhaços, nunca gostei. Mas, Pennywise... Meu Deus. Ele consegue meter medo em todo mundo, sem esforço nenhum. Desde que surge, no começo do livro, ele mostra que não é um palhaço bonzinho, e isso segue até o final da historia. Na verdade, ao longo do livro, King revela que o palhaço Pennywise é apenas uma das formas que a Coisa assume para atrair as crianças, conforme explica em um trecho do livro. O monstro assume inúmeras formas para assustar suas vitimas, incorporando seus piores medos, mas é o Palhaço Pennywise que fica na nossa memória, tanto que é impossível não associar o livro à figura do palhaço. Além de ser um dos maiores vilões do universo de Stephen King, é também o mais complexo. A Coisa é uma entidade mais antiga que o Universo, que veio à Terra para se alimentar de crianças, a fim de obter força. E King descreve sua criatura de forma impressionante, tão impressionante, que requer esforço da parte do leitor para entender como ela funciona. Sério. Acho que nem as criaturas de H.P. Lovecraft são tão complexas. Mas, pessoalmente, eu não encontrei dificuldade em assimilar e entender a historia da Coisa. Na primeira leitura, eu consegui entender como ela funciona e como ela assume e forma física na Terra e também como faz uso de várias formas para assustar suas vitimas e atraí-las. No fundo, é possível resumir a Coisa da seguinte maneira: é uma entidade cósmica que se alimenta de crianças e assume várias formas com o intuito de assustá-las; a forma do palhaço Pennywise é a forma que ela usa para atrair as crianças. Não deve ser tão difícil, não é? E o método que King encontrou para torna-la uma predadora perfeita é brilhante: somente as crianças conseguem vê-la, os adultos, não. E por quê? Porque quando nós crescemos, deixamos de acreditar em certas coisas, como fantasmas, monstros, fadas, essas coisas. Portanto, fica mais fácil para a Coisa caçar e matar as crianças de Derry, porque elas são muito mais vulneráveis.

Agora, sobre a minha sequencia favorita, vou dizer qual é. É um capitulo que é narrado principalmente como se fossem noticiais de um jornal. Claro que o que está sendo documentado não é bonito, mas, o que me atrai nesse capitulo é o modo como é escrito. As noticiais ali descritas parecem reais, e posso apostar que o jornal onde elas estão veiculadas, pode ser encontrado com facilidade nas bancas.

Meu outro momento favorito é quando King traz uma convidada de seu universo para a história, quando Henry já é adulto, e decide ir atrás dos Otários. A cena é fantástica, assustadora e bem feita. Eu adorei na primeira vez que li, e na releitura, adorei mais ainda. E o modo como ela entra na historia faz tanto sentido, que, francamente, não poderia ser de outro jeito.

Mas não é apenas um membro de seu universo que o autor traz nesse livro. Outro personagem, de um de seus livros mais famosos, também aparece em determinado momento da historia, no trágico episodio do incêndio do Black Spot. Tem gente que acha que é uma forma que o autor encontrou pra dizer que suas historias estão conectadas. Eu pessoalmente, não vejo assim; eu acho que é apenas uma brincadeira.

O livro é alucinante, não há duvida quanto a isso. Em certos momentos, a leitura é frenética, como se fosse um filme de ação; acho que é porque tem muitas cenas de ação. Mas são cenas muito bem escritas, e parece que conseguimos visualizá-las conforme lemos o livro; pelo menos pra mim foi assim. E esse ritmo frenético contribui para o andamento da historia, e não a deixa chata em momento nenhum, pelo contrário, ela fica ainda mais emocionante. Mas com certeza, os momentos mais frenéticos ficam para o final, quando os Otários vão enfrentar a Coisa novamente.

Esse é o momento em que a história dá uma guinada de cair o queixo. Porque, acredito que até aquele momento, a impressão que se tem a respeito do palhaço Pennywise, é que talvez ele seja um tipo de fantasma ou demônio do inferno, não sei. Mas, quando King finalmente conta quem e o que ele é de fato, a coisa muda de figura. Como já mencionei, eu acho, sem duvida, essa ideia de fazer do palhaço uma entidade cósmica, genial. Fora as criaturas de H.P. Lovecraft, não me lembro de ler nenhum outro livro de terror sobre entidades cósmicas. No entanto, apesar do brilhantismo de King, Lovecraft ainda carrega a coroa de rei do terror cósmico. Eu acredito que King transformou seu monstro em entidade cósmica, como uma homenagem à Lovecraft, de quem é admirador confesso. E, se parar pra pensar, existem alguns elementos lovecraftianos na concepção de Pennywise e da Tartaruga, sua rival cósmica.

Claro, como toda historia de monstro, não poderia deixar de existir o lado do Bem, e a Tartaruga é esse lado. Apesar de aparecer pouco, ela tem uma presença forte na historia, e é bem legal o modo como King a desenvolveu. Não fica difícil imaginar uma tartaruga velhinha, toda enrugada, de bengala até, falando com Bill no vácuo, quando eles vão enfrentar a Coisa pela primeira vez. Parece mesmo que a Tartaruga está velha, com o peso do universo sobre o casco. Bem legal.

Os confrontos dos Otários com a Coisa são de cair o queixo. Assim como as cenas de ação, também são momentos frenéticos, mas nem por isso, menos brilhantes. São cenas assustadoras, onde a Coisa mostra todo o seu poder, assumindo diversas formas, arrastando os Otários para o vácuo, com o objetivo de enfraquece-los, e não poupando nenhum deles. Mas o melhor fica para o final do livro, quando eles enfrentam a Coisa pela última vez. Ali, King mostra quem de fato é a Coisa e qual a forma que ela assuma na Terra. São momentos delirantes. King descreve tudo com maestria, e novamente, não fica difícil visualizar tudo aquilo, principalmente a Coisa em sua forma final.

Talvez um dos aspectos mais conhecidos do livro, é o fato de que, quando estava escrevendo, King estava sob efeito de cocaína, infelizmente. Infelizmente, porque, nessa época, o autor era viciado em drogas e em álcool, o que tornou-se um dos piores momentos de sua vida. Com certeza, esse fato gerou a cena mais comentada do livro, a famosa “cena da orgia” entre os Otários no esgoto. Muita gente, mas muita gente, não entendeu o motivo dessa cena estar no livro, nem a sua relevância para a historia, mas, do meu ponto de vista, existe uma explicação. Momentos antes da tal cena, as crianças estão presas no esgoto, que assim como a cidade, estava sofrendo os efeitos de uma tempestade. Estavam desesperados, achando que nunca mais iriam sair de lá, o que levou Beverly a sugerir que os meninos fizessem sexo com ela; como ela mesma explica no diálogo, foi uma forma deles se unirem para sempre, pois acharam que nunca sairiam do esgoto com vida. Viram como é fácil? Só olhar nas entrelinhas.

Eu poderia falar mais sobre o livro, mas, não quero entregar spoilers.

O fato é que It, A Coisa é um Clássico de Stephen King.

Como a maioria de suas obras, acabou sendo adaptado. No caso, foi adaptado duas vezes. A primeira foi a clássica e inesquecível – e ainda insuperável – minissérie de 1990, dirigida por Tommy Lee Wallace, com Tim Curry no papel de Pennywise, em atuação insuperável. A segunda é a maravilhosa adaptação em duas partes dirigida por Andy Muschietti, cujo primeiro capitulo foi lançado em 2017. O segundo capítulo está em exibição nos cinemas, e com certeza, vou assistir.

Enfim, It, A Coisa é um livro excelente. Uma historia rica em detalhes, contada com maestria, cheia de momentos assustadores e inesquecíveis. Uma trama redonda, com toques de fantasia, drama e terror cósmico. Um livro brilhante. Maravilhoso. Um Clássico de Stephen King.

Altamente recomendado.

O CICLO DO PAVOR (1966). Dir.: Mario Bava.

NOTA: 10

O CICLO DO PAVOR (1966)

Conforme mencionei na resenha de Seis Mulheres para o Assassino (1964), o diretor Mario Bava era um Mestre do cinema de horror. Dentre suas obras, CICLO DO PAVOR (1966) é uma das minhas favoritas.

Marco do Terror Gótico Italiano, é um filme maravilhoso. Uma historia de fantasmas com toques de conto de fadas, com os truques que somente Bava conseguia dar a suas obras.

Não é novidade nenhuma que Bava era um especialista em fazer grandes coisas com orçamentos e tempos apertados, e aqui, não é diferente. A produção foi marcada por dificuldades, e em determinado momento, o orçamento acabou, mas, mesmo assim, a equipe e o elenco concordaram em trabalhar de graça; mas, nada disso impediu o filme de ser uma obra maravilhosa.

Bava faz uso de técnicas espetaculares, técnicas essas que diretor nenhum consegue – nem conseguirá – copiar. Isso aconteceu graças à sua experiência como operador de câmera e diretor de fotografia nos anos 50, o que lhe rendeu muitos elogios. E claro, quando resolveu se aventurar na direção, levou suas técnicas consigo.

Bava estreou oficialmente na direção em 1960, com o excelente A Maldição do Demônio, e desde então, tem se dedicado ao terror gótico praticamente com exclusividade – o que não o impediu de se aventurar em outros gêneros, claro. E em O Ciclo do Pavor, Bava está em sua melhor forma.

O roteiro é simples, mas, torna-se pretexto para o diretor aplicar tudo o que desenvolveu nos anos anteriores. Impossível dizer qual o melhor momento, porque são muitos; mas, sem duvida, uma das melhores cenas é a do balanço no cemitério – mais sobre ela adiante. 

A fotografia é uma melhores coisas do filme, sem duvida. Com tons de laranja, azul e preto, ela enche a tela e chega a hipnotizar e a ser atraente. Sério. Dá um aspecto de nostalgia e interior ao filme, o que o enchem ainda mais de charme. E a transição de cores acontece naturalmente; se no inicio, durante o dia, o filme é banhado nos tons laranja e amarelos, durante a noite, o preto e o azul-escuro tomam conta, e não mudam o tom nostálgico do filme. Sem duvida, mesmo não sendo responsável pela direção de fotografia, Bava soube administrar os tons, e, sinceramente, não chegam a transformar o filme num arco-íris, mas deixam-no lindo.

O design do filme também contribui para deixa-lo lindo. O vilarejo parece parado no tempo, completamente envolto em teias de aranha; as portas das casas estão sempre fechadas; as paredes são forradas de alho, cruzes e velas – uma amostra do quão supersticiosos seus habitantes são – ; e principalmente, a Vila da Baronesa Graps não fica para trás. A decadência está presente em todas as paredes da casa, cuja pintura está caindo aos pedaços; os cômodos e moveis estão envoltos em enormes teias de aranha, e o muro da cripta da família está prestes a desmoronar. Parece que a qualquer minuto, a Vila vai desabar.

A trilha sonora, composta por Carlo Rustichelli, que já havia trabalhado com Bava no passado, é maravilhosa. Ao invés de ser uma trilha alta, que pula na tela, é quase uma melodia de conto de fadas, que casa perfeitamente com a atmosfera do filme.

Como mencionado acima, o filme tem varias cenas impressionantes; uma das melhores, sem duvida é o balanço. É uma cena perfeita, com Bava dando seus toques de mestre; os primeiros segundos mostram a câmera indo para frente e para trás, de maneira aleatória, sobrenatural, até. Não me lembro de ter visto uma cena tão artesanal e linda como essa, e com a paleta de cores, fica perfeita. A cena da escada também é muito boa, digna de provocar arrepios. Mas, uma das minhas favoritas, é quando o Dr. Eswai chega ao vilarejo: assim que sua carruagem para, ele vê, ao longe, um grupo de homens carregando um caixão. É uma cena em plano geral, sob o céu alaranjado, com as silhuetas dos homens andando; quando vi essa cena pela primeira vez, eu me apaixonei pelo filme, e toda vez que eu o vejo, volto a cena para conferir de novo. As cenas entre o Comissário Kruger e o protagonista também são as minhas favoritas. Bava soube filmá-las muito bem, sem uso de trilha sonora, o que as deixa mais sinistras. Outro exemplo da genialidade do diretor.

Os personagens do filme também merecem atenção. O Dr. Paul Eswai é o típico homem da Ciência, o médico que não acredita no sobrenatural nem nas superstições dos moradores do vilarejo, e mostra-se disposto a enfrentar a tal maldição para provar suas teorias. Seria o tipo de personagem que a gente torce para ser eliminado, mas, sinceramente, não é possível. Monica, a antiga moradora do vilarejo também é uma ótima personagem, o tipo de pessoa que, mesmo morando naquele lugar durante boa parte da vida, sente-se uma estranha quando retorna. Ela tem uma personalidade doce, mas não daquele tipo que exagera, sempre chorando por aí, fazendo gestos e caras e bocas; pelo contrario, ela é verdadeira em sua fragilidade. E a relação entre os dois funciona muito bem, e francamente, não seria surpresa se ambos se apaixonassem um pelo outro. Não atrapalharia em nada o andamento da trama.

Os demais personagens também são atraentes. Cada um à sua maneira, é envolvido pelo mistério que ronda o vilarejo, e mostram-se verdadeiramente aterrorizados pelas forças sobrenaturais. O burgomestre já não tem poder nenhum sobre o lugar; os habitantes acreditam apenas em suas próprias leis. Enfim, os típicos personagens supersticiosos de historias como essa. Uma menção especial para: Ruth, a bruxa do vilarejo. Dotada de poderes de cura, é a ela a quem os moradores recorrem quando algo ruim acontece, e eles confiam fielmente em suas habilidades. A Baronesa Graps é a própria imagem da decadência. Morando em sua Vila caindo aos pedaços, ela própria também está decaindo, com as roupas sujas, o cabelo embaraçado, despreocupada com sua aparência, uma completa reclusa. E por fim, Melissa, a menina morta. Vitima de um acidente que lhe custou a vida, ela é um melhores fantasmas do cinema de horror. Vestida de branco, com o rosto branco como papel e os cabelos loiros, é uma imagem assustadora. Ela é a responsável pelas mortes misteriosas no vilarejo, e os residentes têm até medo de pronunciar seu nome.

Todos esses aspectos fazem de O Ciclo do Pavor um dos melhores filmes de terror do cinema italiano. Sem duvida, é um daqueles filmes que ficam melhores a cada vez que vemos, e às vezes parece que uma coisa nova vai aparecer. É um dos filmes que eu mais gosto de assistir, e faço isso com prazer, de verdade. Mesmo tendo-o visto várias vezes, não me canso dele.

Com mais esse filme, Mario Bava provou que era um Maestro do Cinema de Horror Italiano, e o Rei do Horror Italiano.

Foi lançado em DVD por aqui pela Versátil Home Vídeo, na excelente coleção Obras-Primas do Terror Vol.2, com áudio original italiano.

Recentemente, foi lançado em Blu-ray, em versão restaurada, que na minha opinião, não faz jus ao filme, além de ser dublada em inglês. Na minha opinião, é muito melhor assistir ao filme com áudio original em italiano; assisti-lo com dublagem em inglês é muito estranho, parece outro filme. A versão disponível aqui no Brasil é a melhor disponível.

Enfim, O Ciclo do Pavor é um filme excelente. Um filme belíssimo. Uma história de horror com toques de conto de fadas. Um dos meus filmes favoritos do Maestro Mario Bava.

Créditos: Versátil Home Vídeo

OS VAMPIROS DE SALEM (1979). Dir.: Tobe Hooper.

NOTA: 10

OS VAMPIROS DE SALEM (1979)

OS VAMPIROS DE SALEM (1979)  – baseado no livro Salem, de Stephen King – do diretor Tobe Hooper, diretor do Clássico O Massacre da Serra Elétrica (1974), é a segunda adaptação do autor, desta vez, para a TV, em formato de minissérie.

Lançado há 40 anos, até hoje, o filme possui lugar entre os maiores filmes de vampiro de todos os tempos. Com razão.

Os Vampiros de Salem é excelente. Possui um clima de medo e nostalgia que é agradável de se ver, e não fica chato; pelo contrario. Além desse clima de nostalgia, também possui diversas cenas antológicas, e às vezes, é difícil dizer qual a melhor – mais sobre isso adiante.

O que também vale destacar é que, na época, Hooper ainda estava em alta em Hollywood, por conta do sucesso de O Massacre da Serra Elétrica – nos anos seguintes, sua carreira sofreu uma queda brusca, por conta do fracasso de seus filmes produzidos pela extinta Cannon Group. Mas, aqui, Hooper dá o seu melhor como diretor, e consegue, uma vez que o filme não apresenta nenhuma falha em sua concepção.

É um dos filmes mais assustadores que já vi, em razão das cenas envolvendo os vampiros. São cenas muito bem feitas, dirigidas e atuadas, muitas vezes, chegam a ofuscar as cenas envolvendo os personagens humanos.

Como toda produção feita para a televisão, possui uma estrutura própria, com cenas montadas de maneira diferente das produções para o cinema, além de apresentar uma ambientação própria também, como se todos os cenários fossem de fantasia, quase outra dimensão. Hoje em dia, isso ainda existe, mas não da mesma maneira que apresentada aqui. Os enquadramentos também merecem destaque, com tomadas aleatórias da cidade vista de cima, câmera quase sempre parada e closes rápidos. Tudo feito de maneira brilhante, digna de nota, e se bobear, de estudo também. Pessoalmente, é um dos diversos aspectos que me atraem no filme.

A trilha sonora também é um item à parte. O tema é arrepiante, e quando toca, não fica chato, pelo contrario, ajuda a aumentar a tensão. Em alguns momentos, a musica surge de repente – o que hoje em dia, seria equivalente a um jump-scare – e mesmo assim, não parece falso. É muito boa.

A produção também caprichou ao escolher o cenário para o filme. A cidade é muito bonita, e nas cenas durante o dia, chega a ser convidativa, e, misturado com o clima de filme feito para a TV e com a atmosfera da época, fica ainda melhor. Em momento nenhum, parece que a rotina da cidade é chata, ou ela parece artificial. Longe disso. O filme foi rodado na Ferndale, na Carolina do Norte, com cenas rodadas também nos Estúdios Burbank, na Califórnia. Mesmo não rodado na Nova Inglaterra, o filme passa essa sensação.

Outra coisa que contribui para o clima de terror, é o fato de que, durante boa parte da narrativa, o filme dá a impressão de ser sobre casa mal-assombrada, visto que o protagonista questiona os cidadãos se eles acreditam que o Mal pode dominar uma casa. E isso funciona, principalmente para quem não conhece o filme, e no final, acaba surpreendido. Ainda sobre a questão da casa, vale mencionar que ela é de fato, assustadora, localizada no topo da colina, sempre de olho na cidade abaixo. Ao contrario do que se imagina, ela é um exemplo de que uma casa maldita não precisa ser pintada de preto para ser assustadora. Com seus tons de bege, a Mansão Marsten causa, sem esforço nenhum, arrepios na nossa espinha. De verdade. E por dentro também. É um lugar abandonado, com teias de aranha em todos os lugares, o chão todo sujo, moveis destruídos... O ambiente perfeito para um vampiro morar. E além disso, também passa uma sensação de terror gótico, que naquela época, já estava desaparecendo.

Agora, sobre os vampiros. Eles são a melhor coisa do filme, sem duvida. Com suas peles azuladas, olhos amarelos brilhantes e presas afiadas, conseguem meter medo em qualquer um. São a própria imagem da Morte, espalhando-se pela cidade como uma praga. E como já mencionado, eles protagonizam as melhores cenas do filme. Uma das minhas favoritas é quando a Sra. Glick ressuscita no hospital e ataca Ben e o médico. Uma cena muito bem feita, com o clima construído lentamente, e a tensão aumentando, porque não dá pra saber o que vai acontecer, até que finalmente acontece. Uma cena brilhante. No entanto, a cena da janela, que acontece anteriormente, é com certeza a mais icônica. Assim como a cena descrita anteriormente, também é muito bem feita, novamente com o clima acontecendo devagar, quase sem trilha sonora, e quando finalmente acontece, provoca arrepios. É uma cena que acontece à distancia, do ponto de vista do espectador, o que aumenta ainda mais o clima de horror.

Porém, o melhor de todos é o Sr. Barlow, o vampiro-mestre. Com visual idêntico ao Nosferatu de Murnau, ele é uma figura ameaçadora. Quando finalmente surge no filme, na segunda parte, mostra-se um verdadeiro monstro, com seus olhos amarelos brilhantes, presas afiadas e unhas pontiagudas. Assim como o vampiro de Murnau, ele é a própria imagem do Mal. Seu melhor momento, sem duvida, é quando surge na casa de uma família e ameaça matar o garoto diante do padre, enquanto o Sr. Straker fala por ele, e propõe uma troca diabólica. Uma cena brilhante, construída da mesma maneira que as anteriores. É também a minha favorita. O confronto final entre ele, Ben e o garoto Mark, também é digno de nota, e sinceramente, não poderia acontecer de outra maneira.

Os Vampiros de Salem esteve em produção pela Warner Bros. apos o estúdio adquirir os direitos para adaptação, anteriormente imaginada para o cinema. Vários diretores e roteiristas, entre eles o cineasta Larry Cohen, mostraram interesse em adaptá-lo, mas Stephen King não se mostrou satisfeito com as propostas. Então, o produtor Richard Kobritz entrou em contato com a Warner Bros. Television para adaptar o livro em formato de minissérie. Para isso, chamou o roteirista Paul Monash, que havia produzido a adaptação de Carrie, a Estranha (1976), dirigida por Brian de Palma. Ao que parece, King ficou satisfeito com o roteiro apresentado por Monash. Inicialmente, o diretor George A. Romero foi cogitado para o trabalho, mas, como ele havia lançado o excelente Martin, um filme de vampiros com uma temática original, dois anos antes, os produtores acharam que não seria acrescentaria nada de novo ao gênero. Então, chamaram Tobe Hooper para dirigir, em virtude do sucesso de O Massacre da Serra Elétrica (1974). Segundo o produtor Kobritz, a ideia de voltar ao Nosferatu de Murnau foi para apresentar o Sr. Barlow como a essência do Mal, assim como o vampiro de Max Scherck fez no Clássico Alemão. Porém, King não ficou satisfeito com o visual do vampiro. E também, segundo Kobritz, a intenção de fazer com que Barlow fosse mudo e tivesse o Sr. Straker como intermediário, também pareceu mais plausível do que se o vampiro fosse articulado, além de outras mudanças na narrativa. O resultado ficou perfeito. 

Além disso, a ideia de esconder o vampiro-mestre durante boa parte do filme, na minha opinião, também funciona, porque assim, aumenta o suspense, e chega até a dar a impressão de que o monstro não existe. E funciona muito bem.  

O filme foi estrelado por David Soul, no papel do protagonista Ben Mears, e James Mason, como o Sr. Straker, e ambos mostraram-se perfeitos. É possível enxergar os personagens nos atores, e o mesmo vale para todo o resto do elenco. Por exemplo, o garoto que interpreta o adolescente Mark Petrie, tinha 18 anos na época, mas, é possível visualizar um adolescente de 14 anos nele, sem esforço. Bonnie Bedellia também está perfeita como Susan Norton, par romântico de Ben. E claro, Reggie Nalder, conhecido por sua atuação em um episodio de Star Trek, está perfeito como o vampiro-mestre Kurt Barlow. Este foi um dos últimos papeis de Mason, eternizado por suas excelentes performances como o Capitão Nemo de 20.000 Léguas Submarinas (1954), da Disney; e como Humbert Humbert, em Lolita (1962), de Stanley Kubrick. O ator faleceu em 1984.

Os Vampiros de Salem foi lançado em Novembro de 1979, primeiramente em formato de minissérie, com 187 minutos. Logo depois, uma versão para cinema de 112 minutos foi lançada, com alguns cortes e cenas alteradas. Foi recebido com criticas muito positivas e recebeu três indicações em Emmy, o Oscar® da televisão.

Apesar de chegar a ser exibido na televisão no Brasil pelo canal TCM, por anos, permaneceu inédito por aqui, até que foi lançado em DVD pela Versátil Home Vídeo, em excelente versão restaurada e integral – a versão original de 187 minutos.

Em 1987, uma lamentável continuação, escrita e dirigida por Larry Cohen, foi lançada. A única coisa interessante naquele filme era Tara Reid, em inicio de carreira, vestida de noiva-vampiro. O resto, é um desastre completo. Não vale a pena.

Em 2004, uma nova versão, também para a TV foi lançada, estrelada por Donald Sutherland, Rod Lowe e o saudoso Rugter Hauer. Apesar de ter gostado na época, hoje, já não sou mais tão fã assim, pois considero inferior.

Recentemente, foi anunciado que uma nova adaptação, desta vez para o cinema, está em desenvolvimento, com James Wan envolvido. Por enquanto, nada a dizer sobre isso.

Enfim, Os Vampiros de Salem é excelente. Um filme verdadeiramente assustador, com clima de nostalgia que prende a atenção e provoca arrepios. Uma das melhores adaptações de Stephen King. Um dos maiores filmes de vampiro de todos os tempos. Maravilhoso.

Altamente recomendado.

A MÁQUINA DE PASSAR ROUPA (Stephen King).

NOTA: 8

A MÁQUINA DE PASSAR ROUPA

A MÁQUINA DE PASSAR ROUPA, presente na coletânea Sombras da Noite, é um dos contos mais bizarros de Stephen King, sem duvida.

Mas, não deixa de ser divertido. Em poucas páginas, King cria uma historia de investigação policial com elementos de slasher e possessão demoníaca. Não sei de onde ele tirou essa ideia, mas o fato é que é bem legal, absurda mesmo. Mas eu gostei.

A leitura foi bem rápida, aterrorizante e principalmente, divertida. King também não nega fogo, e apresenta cenas repletas de violência e sangue, muito sangue. A Máquina faz um enorme estrago nos funcionários da lavanderia, despedaçando-os como se fossem animais no matadouro, e provocando medo nos sobreviventes. Talvez, se fosse com outro autor, a premissa seria diferente, algo como inteligência artificial ou até mesmo extraterrestre, mas King faz uso do método mais absurdo – até porque não há outro modo de descrever – para justificar o motivo de sua máquina ter se tornado faminta por carne humana: possessão demoníaca.

Não me lembro de ter lido alguma historia desse tipo antes, e, talvez para o leitor mais exigente, talvez fosse o cumulo do absurdo. Mas não para mim. Como já disse, eu me diverti muito nessa leitura.

Adorei os métodos que King utiliza para fazer seus dois personagens lutarem contra a máquina, bem como o resultado do confronto. Os dois homens fazem uso dos métodos mais comuns em casos como esses, e não parece ridículo, não. Acho que é o tipo de coisa que qualquer um faria se soubesse que tal objeto está possuído por um espirito maligno. E como King revela, a máquina não é o único objeto inanimado que se alimenta de pessoas. Não...

O fato é que A Máquina de Passar Roupa é bem legal. É uma leitura rápida, de alguns minutos, apenas – minutos esses que passam rápido; mal começou, já acabou. Simples. Vale a pena.

E antes que pensem que essa premissa de objetos possuídos é absurda, vale lembrar que na adaptação de Christine, também de King, John Carpenter utilizou o pretexto de que ela estava possuída por um espirito demoníaco, e funcionou muito bem. E aqui, também.

Não sei em qual momento da vida King encontrava-se quando escreveu a historia, e francamente não importa. Também não sei se ele tentou contar uma historia realmente seria, ou não, e também não importa. Tenho certeza que sua intenção era a melhor possível, e apesar do famoso ditado, ele entrega uma historia assustadora e violenta.

Os personagens da historia são bem simples, pessoas comuns, que encontramos no nosso dia-a-dia. O Guarda Hutton é o típico policial do bem, sempre disposto a ajudar os outros e desvendar o mistério. Cético no inicio, conforme as suas investigações vão avançando, ele começa a se convencer, principalmente quando ouve relatos de sobreviventes, e de seu amigo Jackson, que é um tipo de especialista no assunto. Enfim, personagens bacanas.

Em 1995, foi adaptado para o cinema por Tobe Hooper, em Mangler – O Grito de Terror, estrelado por Robert Englund e Ted Levine, no papel do Guarda Hutton. Eu só vi esse filme uma vez, há muitos anos, no extinto Cine Mistério, da Band; e não foi o filme todo, foi apenas o final, um final bem sangrento, diga-se. Porém, apesar de ter Robert Englund no elenco, e Tobe Hooper na direção, críticos e fãs de Stephen King dizem que é uma das piores adaptações do autor. Não sei dizer.

Enfim, A Máquina de Passar Roupa é bem legal. Um conto aterrorizante, violento e divertido. Uma historia rápida e macabra, que diverte e chega a prender a atenção.

Recomendado.

ZOMBIE (1979). Dir.: Lucio Fulci.

NOTA: 10

ZOMBIE (1979)

ZOMBIE (1979) é a Obra Máxima de Lucio Fulci, o Padrinho do Gore. Mais do que isso, é um filme que merece destaque em todas as listas dos maiores filmes de zumbi de todos os tempos.

Zombie é excelente, sem duvida, um dos melhores do gênero. É difícil dizer qual o melhor momento, mas o fato é que, quando o terror começa, não poupa ninguém.

Como já mencionei anteriormente, desde que resolveu se aventurar no terror, Fulci mostrou-se um mestre no gênero, e neste filme, ele mostrou toda sua força. Isso é fato.

Se parar pra pensar, o filme apresenta uma historia simples, até, mas é nessa simplicidade que está o brilhantismo. Fulci conseguiu fazer coisas espetaculares, dignas de estudo, não só do gênero de horror, mas do cinema em geral. O diretor mostra-se um mestre com a câmera, e seus enquadramentos são maravilhosos, desde a primeira cena.

Não apenas a direção de Fulci merece destaque, como também a edição de Vincenzo Tomassi. Novamente, desde a primeira cena, o filme é um primor, e nesse caso, também não é diferente. Tomassi conseguiu editar as cenas aéreas do veleiro em Nova York muito bem, intercalando com tomadas mais fechadas, e isso continua conforme a cena avança, culminando em um dos momentos mais memoráveis do filme, o surgimento do primeiro zumbi. Já vi muitas sequencias de abertura bem feitas antes, e com certeza, essa é uma delas.

A trilha sonora, composta por Fabio Frizzi e Giorgio Tucci também merece ser mencionada. Em alguns momentos, o tema musical é um tanto diferente para um filme do gênero; na verdade, parece de filme de ação; no entanto, quando surgem os tambores, aí a coisa muda de figura. O tema causa calafrios na espinha, e não fica cansativo; o mesmo vale para os outros temas musicais. É também o tipo de musica que fica na nossa cabeça, e quando toca, rapidamente, nos lembramos do filme.

E claro, como em todo filme de terror, a ambientação contribui. A ilha de Matul é um lugar abandonado, às moscas mesmo. As casas dos nativos estão caindo aos pedaços; pedaços de troncos estão espalhados; caranguejos andam pelas ruas, enfim... o cenário de um apocalipse. Mas de todos, o mais impressionante é a velha igreja, convertida em hospital. O lugar não passa a sensação de conforto, pelo contrario, chega a ser pior que o próprio vilarejo. O engraçado é que a casa do Dr. Menard é toda arrumada, localizada numa parte bacana da ilha... Detalhes que não merecem explicação, conforme mencionarei adiante. O fato é que o aspecto abandonado da ilha contradiz contra a beleza da cidade de Nova York, mostrada no inicio do filme.

Sendo cria do cinema de horror italiano, Zombie contem cenas absurdas, e a melhor delas, sem duvida, é a cena de luta entre um zumbi e um tubarão. Não sei da onde os roteiristas tiraram essa ideia, mas o fato é que é uma cena bem legal de se ver, além de ser visualmente bem filmada. A cena foi filmada por Ramon Bravo, autor e cinegrafista mexicano, que em 1977, foi responsável pelas cenas submarinas de Tintorera, do diretor René Cardona Jr. Como fizera na cópia mexicana de Tubarão, Bravo executou um excelente trabalho, que chega a ser convidativo até. O mesmo vale para a cena de luta entre o zumbi e o tubarão. O zumbi foi interpretado pelo próprio Bravo, que também foi o treinador do tubarão. Isso explica talvez a naturalidade da cena. Sem dúvida, é uma das cenas mais memoráveis do filme. E existe outra, talvez a mais absurda, mas, na minha opinião, não afeta em nada o filme.

Claro, não posso deixar de mencionar os zumbis. Criados pelo Maestro Gianneto de Rossi, esses são os melhores zumbis que já apareceram em um filme. Falo de zumbis putrefatos, com vermes saindo dos buracos dos olhos, andando devagar, com gosma branca e verde escorrendo da boca, roupas maltrapilhas... Enfim, um trabalho de gênio. Talvez, para os mais exigentes, possa parecer estranho que estejam tão bem assim, até porque, são corpos de conquistadores espanhóis do século XVI, mas, pessoalmente, eu não ligo pra isso. Os zumbis são excelentes, e ponto. Difícil dizer qual o mais assustador, mas o melhor é o que ilustra o pôster do filme, e que arranca a garganta de uma das personagens a dentadas. Uma cena brilhante, tanto pela construção, como pelos efeitos de maquiagem. Sério, de Rossi faz um trabalho espetacular, que compete até com os efeitos criados por Tom Savini nos filmes do saudoso George A. Romero. Além dos zumbis, de Rossi nos presenteia com corpos despedaçados, tripas expostas, mordidas e tiros de cair o queixo. Mas, o melhor fica para a cena da lasca. Conforme mostraria no futuro, Fulci tinha “fetiche” por olhos, e na cena da lasca, ele dá uma amostra do seu poder. É uma cena construída lentamente, de forma que o espectador fica tentado a acompanhar, mas ao mesmo tempo, quer tapar os olhos, porque imagina que o final não vai ser bom. E não vai ser bom, mesmo. Uma cena brilhante, inesquecível.

O filme foi escrito por Dardano Sachetti – não creditado – e Elisa Briganti, e como mencionado acima, é brilhante. Não existem falhas na historia, nem furos de roteiro. A única pista dada, mesmo sutilmente, é que os zumbis são trazidos de volta graças ao vodu, o que difere dos zumbis criados por Romero, que voltam graças à radiação. Aqui, os roteiristas aproveitaram a origem dos monstros, que eram trazidos de volta graças à um feitiço vodu, e eram usados para trabalhar em lavouras e plantações. Claro que aqui não é isso que acontece. Os zumbis voltam famintos por carne e a carnificina é grande.

O filme também marca o inicio da parceria entre Fulci e o produtor Fabrizio de Angelis, que trabalhariam juntos em toda a grande fase do diretor. De Angelis, conforme ele mesmo relata, demonstrou interesse em trabalhar com Fulci, mesmo sabendo de seu temperamento; ele também descreveu a rotina de filmagens como tranquila, com todos se relacionando bem entre si, e também como foi gravar a famigerada e até hoje comentada última cena. De Angelis também declarou que ele foi o responsável por vender o filme para os Estados Unidos, conforme era feito naquela época: o produtor negociava com a distribuidora americana, e vendia o filme, por meio de um resumo da historia ou às vezes, apenas pelo titulo. E também, segundo o próprio, ele e a equipe forma processados por Dario Argento, por lançarem o filme com o título Zumbi 2, como se fosse uma continuação do Clássico O Despertar dos Mortos, que Argento produziu junto com Romero no ano anterior. Mas isso acabou resolvido.

Não sei se chegou a ser lançado em VHS por aqui, mas chegou a ser lançado em DVD há alguns anos; mas, mesmo assim, permaneceu raro, até que foi finalmente lançado em DVD, em excelente versão restaurada sem cortes, pela Versátil Home Vídeo, na maravilhosa coleção Zumbis no Cinema Vol.3.

Recentemente, ganhou uma também excelente versão restaurada em 4k, lançada em Bluray pela Blue Underground, que já lançara o filme anteriormente. Essa versão restaurada vem acompanhada com três modelos de capa, todos muito bem feitos.

Zombie é considerado um dos Filmes Mais Assustadores de todos os tempos, ocupando a 98ª posição na lista do Bravo’s 100 Scariest Movie Moments, e a 41ª posição na lista dos 100 Filmes Mais Assustadores da História, criada pela extinta Revista SET em 2009.

Enfim, Zombie é um Clássico. Um dos maiores filmes de zumbis de todos os tempos. Um dos filmes mais assustadores de todos os tempos. A obra máxima de Lucio Fulci. Clássico absoluto, obrigatório.

Altamente recomendado.

Créditos: Versátil Home Vídeo

VOO NOTURNO (1997). Dir.: Mark Pavia.

NOTA: 10

VOO NOTURNO (1997)

Para mim, VOO NOTURNO (1997), baseado no conto O Piloto da Noite, tem uma grande importância, porque foi meu primeiro contato como escritor Stephen King, que se deu por meio da capa do VHS, quando minha mãe mostrou para mim na locadora.

Naquela ocasião, não aluguei o filme; somente alguns anos depois, como sempre fazia nos fins de semana. Quando pus a fita no videocassete, o resultado foi uma das experiências mais aterrorizantes da minha vida! Eu quase não consegui ver o filme direito; passei a maior parte do tempo escondido atrás da parede do corredor. Numa outra oportunidade, até consegui assistir, mas quando chegou ao clímax, fiquei a noite sem dormir, porque era muito assustador – e ainda é, mas hoje, consigo assistir sem problemas. Eu só consegui assistir ao filme, sem medo, depois de outras tentativas, conforme fui ficando mais velho, e me acostumando com ele.

Não se engane. Mesmo sendo uma das adaptações mais assustadoras – talvez a mais assustadora – de Stephen King, Voo Noturno é excelente! Com sua simplicidade impar, consegue assustar e provocar pesadelos, sem o menor esforço, e tudo contribui pra isso.

O primeiro fator talvez seja o clima. Desde o começo, o filme tem um clima de mistério, com sua fotografia escura e trilha sonora de piano – aliás, brilhante trilha sonora. E desde a abertura, o filme não nega fogo, mostrando logo de cara uma cena sangrenta e silhueta do vampiro. E o mesmo acontece até o final. O diretor Mark Pavia conduz a trama de maneira brilhante, e com certeza, fez uma excelente adaptação do conto original. Posso dizer que o filme, de certa forma, completa a experiência de ler o conto, e vice-versa. Durante certos momentos da leitura, eu me lembrei das cenas descritas no texto original – o mesmo aconteceu enquanto lia a história.

O que mais contribui é a própria ambientação. O filme foi inteiramente rodado na Carolina do Norte, e isso também causa uma sensação de medo, não pelas locações, mas pela sensação que elas passam. Durante todo o filme, parece que os lugares que o protagonista visita não são reais – e obviamente não são – e não parecem passar uma sensação de segurança, mesmo durante o dia. Parece até outra dimensão.

A trilha sonora, composta por Brian Keane, também é mais um fator. Praticamente toda tocada no piano, ela parece entrar na mente do espectador, e no momento em que ouvimos a melodia na nossa cabeça, na hora, lembramos do filme. Existem momentos em que a trilha é mais pesada, de acordo com a cena, mas, nada é melhor do que o tema do filme.

E por fim, os efeitos especiais e a própria sensação de pavor. Impossível falar de um, sem falar do outro. Os efeitos de maquiagem, cortesia da KNB Effects Group, são a melhor coisa do filme. Como o diretor faz questão de esconder seu vampiro durante boa parte do filme, ele compensa a curiosidade com a maquiagem. E olha, que excelente trabalho. Eu falo de perfurações nos corpos das vitimas, membros espalhados e sangue manchado nas paredes – muito sangue. E claro, a maquiagem do vampiro. Devo dizer que a expectativa em ver seu rosto é compensada, porque, é um dos melhores visuais de vampiro e todos os tempos, talvez um dos mais aterrorizantes. E a sensação de pavor, como já disse, está presente no filme inteiro, mas com certeza, ela aumenta no clímax no terminal, naquela que é a cena mais assustadora do filme inteiro. E olha, coisas assim são difíceis de fazer hoje em dia.

Sobre os personagens, o seguinte. O protagonista, Richard Dees, é um verdadeiro cretino. Sempre de cara fechada, arrogante e presunçoso, ele não passa em nenhum momento a imagem do herói que está lutando contra o vilão, pelo contrario; não dá pra torcer por ele. Katherine Blair, a jovem estagiaria do tabloide, apesar de sua pouca presença, é o oposto. Ela já se mostra prestativa, disposta a provar que é capaz de escrever sobre os crimes e ganhar primeira pagina. Os demais personagens surgem apenas por pouco tempo, mas é possível ver que são pessoas comuns, que tiveram uma relação verdadeira com as vitimas, e que estão com medo do assassino.

E claro, o Vampiro Dwight Renfield. Como mencionado acima, o diretor Paiva e o diretor de fotografia fazem questão de esconder seu rosto, mas, para mim, isso não importa, porque ele consegue ser assustador; o tipo de personagem que mete medo quando aparece na tela. Alto, magro, cabeludo, e com sua enorme capa preta, quando ele surge, pode ter certeza que coisa boa não vai acontecer. O vampiro é um verdadeiro monstro, sempre desmembrando, decapitando e mutilando suas vitimas, com uma selvageria impar e implacável. Realmente, dá a sensação de que nada nem ninguém, conseguirá impedi-lo. Nada! E claro, quando seu rosto finalmente aparece, é um espetáculo. Seu avião é a mesma coisa. Um belíssimo Cessna Skymaster negro, que percorre os céus como uma criatura sobrenatural, e quando o vemos, no solo, já sentimos um calafrio.

Claramente, o filme foi rodado com baixo orçamento, mas, tudo foi compensado na criatividade. Por exemplo, as cenas em que Dees está voando com seu avião, foram rodadas em estúdio, mas o filme não passa essa sensação; parece mesmo que o diretor filmou o ator Miguel Ferrer num avião no ar. Muito bem feito. Quase não há efeitos digitais – apenas uma cena, que eu consegui identificar – e muitos, muitos efeitos práticos, principalmente de maquiagem. A ambientação no jornal é convincente, parece mesmo que aqueles personagens são jornalistas, e que aquele tabloide existe – talvez, pudesse ser encontrado até nas nossas bancas, vai saber. A direção de arte fez um ótimo trabalho nesse quesito; a gente quase consegue tocar no jornal, de tão realista que ele é. Sem duvida, um trabalho incrível.

E qual a melhor cena do filme? Sem duvida, a mais assustadora, o clímax no terminal. A cena é construída de maneira brilhante, sem trilha sonora, apenas com som ambiente, com excelentes efeitos de maquiagem, e em preto e branco. Não sei se houve intenção do diretor de filmá-la em cores, mas o fato é que a fotografia em preto e branco, consegue deixa-la muito mais aterrorizante, digna de provocar calafrios e causar pesadelos. E toda vez que eu vejo, eu sinto um leve arrepio, porque é uma cena brilhante, de verdade. Vale muito a pena.

Voo Noturno teve um lançamento limitado nos Estados Unidos, e infelizmente, foi um fracasso de critica e bilheteria. No entanto, hoje em dia, possui status de cult, tanto entre os fãs de filmes de vampiro, quanto entre os fãs da obra de Stephen King.

Enfim, Voo Noturno é um filme excelente. Um dos filmes mais assustadores que já vi. Um excelente filme de vampiros. Uma das melhores adaptações de Stephen King.

Altamente recomendado.

• Resenha do conto “O Piloto da Noite”:  https://livrosefilmesdehorror.blogspot.com/2019/03/o-piloto-da-noite-stephen-king.html

CARNAVAL DE ALMAS (1962). Dir.: Herk Harvey.

NOTA: 10

CARNAVAL DE ALMAS (1962)

Um pequeno Clássico do Terror. Assim pode ser definido CARNAVAL DE ALMAS (1962), um dos filmes mais assustadores que já tive o prazer de assistir. De verdade.

Desde a primeira vez que coloquei o DVD no aparelho e apertei o Play, esse filme me deu enormes calafrios na espinha. E não é para menos. Rodado com um orçamento mínimo, e de forma independente, o filme é um exemplo de que não há necessidade de grandes orçamentos, nem de grandes estúdios, para contar uma boa historia; o que precisa é ter criatividade, e aqui, o diretor Herk Harvey tem de sobra.

Com uma historia até simples, mas que precisa de raciocínio para assistir, o diretor criou um dos filmes mais assustadores de todos os tempos, mas que, infelizmente, boa parte do publico não conhece. O que é uma pena, porque é um filme que vale a pena ser conferido, mais de uma vez, até.

Mas o que o torna um filme tão assustador? Bom, como acabei de mencionar, tem criatividade de sobra; mas, não é só isso. Talvez um dos principais fatores seja a trilha sonora, composta exclusivamente por órgãos, que desde o primeiro momento, é digna de arrepios, seja pela melodia sombria, seja pela melodia alegre de parque de diversões. Outro fator que contribui para o clima de horror é a atmosfera enigmática e de pesadelo; a partir do momento em que a protagonista, Mary, se recupera do acidente que sofreu, fica impossível saber se o que ela está vivendo é real ou não, uma vez que a figura do Homem de Preto que a persegue o filme todo, é vista somente por ela. Na minha opinião, essa atmosfera dá mais um charme ao filme, porque, realmente, é impossível saber se a garota está imaginando tudo aquilo, ou se é algo pior. E, acredite, é pior.

Mesmo com essa clima de suspense psicológico, Carnaval de Almas é um verdadeiro filme de fantasmas, talvez um dos melhores que eu já vi. A concepção das aparições é a melhor possível, de uma simplicidade impar: todos vestem roupas negras e têm o rosto branco como papel, lábios escuros e manchas pretas em volta dos olhos. Não precisa ser mais assustador do que isso; e olha, eles conseguem ser assustadores, principalmente o Homem de Preto, com sua expressão neutra e sorriso diabólico. É sério, ele é o melhor personagem do filme, um daqueles casos em que o personagem dá medo só de olhar pra ele; não há necessidade de diálogos, apenas a expressão é digna de pesadelos! E o mesmo vale para os outros fantasmas.

No entanto, a protagonista não fica atrás. Mesmo sendo uma garota de personalidade forte, às vezes meio insensível, não dá para não simpatizar com ela, seja pelo o que acontece a ela no começo do filme, seja pelos pesadelos que a atormentam ao longo da historia. E não são perrengues simples de se resolver, não. Em certo momento, ela torna-se “invisível” para o mundo, percorrendo as ruas da cidade sem ouvir nada, nem falar com ninguém.

Agora, devo destacar aqui os momentos mais assustadores do filme, que não são poucos, mas, destacarei apenas dois. O primeiro acontece depois que Mary se recupera do primeiro “transe invisível” e vai tomar água num bebedouro próximo, e se assusta com um homem que pela pensa ser o Fantasma. Num filme qualquer, seria mais uma cena simples, mas aqui não é nada disso. A cena toda é construída de maneira brilhante, sem trilha sonora, somente com os sons do ambiente; e toda vez que eu vejo o filme, eu repito a cena pelo menos duas vezes, porque é muito bem feita – é a minha cena favorita. Outra, é quando ela embarca num delírio dentro da igreja, enquanto toca o órgão: ela se vê dentro do parque abandonado, onde os fantasmas estão dançando em uma espécie de Baile da Morte. Assim como a cena descrita anteriormente, essa também é muito bem feita, e consegue, facilmente, provocar arrepios – parte disso graças à trilha sonora fúnebre.

Como mencionado acima, Carnaval de Almas é uma produção independente de baixo orçamento. Segundo o diretor Harvey, a ideia surgiu após ele deparar-se com um pavilhão abandonado em Salt Lake City. Após essa experiência, ele pediu a um amigo que escrevesse um roteiro para um filme, sendo que ele descreveu apenas a ultima cena. O roteiro foi escrito em três semanas. Harvey alugou o pavilhão por cerca de US$ 50, além de outras cenas. Foi uma produção marcada pela chamada “Guerrilla filmmaking”, que é a maneira como é conhecida a produção de produções independentes de baixo orçamento.

No entanto, a produção feita na garra, não impediu a baixa distribuição do filme, o que contribuiu para sua baixa atenção. Atualmente, o filme possui uma certa aura cult, sendo exibido nas noites de Halloween, além de influenciar cineastas como George A. Romero e David Lynch.

Para finalizar, Carnaval de Almas é foi o único filme de Harvey na direção, e sua protagonista, a atriz Candace Hilligoss, fez apenas mais dois filmes, antes de se aposentar, em 2001.

Por muitos anos, permaneceu raro no Brasil, até ser lançado em DVD na coleção Obras-Primas do Terror 3, da Versátil Home Vídeo.

Enfim, Carnaval de Almas é um filme excelente. Uma historia simples, mas que consegue assustar sem fazer esforço. Um dos filmes mais assustadores que eu já vi. Uma brilhante historia de fantasmas.

Altamente recomendado.

Créditos: Versátil Home Vídeo